ARTECALA - Grandes Maestros, Grandes Obras - (segunda parte) en Weblogs de Yaaqui.com

En una mirada cercana y frontal, el pintor sienta con recato a esta púber sobre la sábana blanca. La cama es un recorte inconcluso, transversal y áspero. La escena se nos aparece en un poderoso primer plano, intenso ambiente, descarnado y austero. Se pueden distinguir tres mundos que se concatenan y son el engranaje de la composición, contenedores cada uno de un signo: el espectral y oscuro espejo en diagonal, la niña es la vertical y la horizontal es la cama. La luz como si fuera expulsada del blanco. Y bajo el blanco, bajo la luz, bajo la cama, perteneciendo al reino del fondo especular, una zona negra y blanda que se descubre de pronto y que remite a un agujero succionador, un acceso abisal a lo que palpita en el cuarto, la presencia de lo no visible. Su velada existencia aumenta la perturbación y la sosegada inquietud que se siente en toda la atmósfera. Y en la niña, con su desnudez, sola ante el espejo. El título de la pintura termina de potenciar la intensa expresividad que este Maestro logra mediante una parca sobriedad y el sentido total del mensaje se arma, siendo la transformación innata e interna a la que está sometida y las emociones que dicho suceder provoca, los protagonistas esenciales de esta tela.

Pedro Lira, chileno, período Clásico.

De oficioso dibujo y excepcional manejo de la técnica, poseedor de un estilo que recibió influjos románticos, naturalistas e idealistas; las mujeres fueron temática principal en su obra. En esta pintura vemos la fijación de un momento psicológico, un sentimiento, un pensamiento, una efímera vivencia interior que detiene la vida en un instante. El recorte del vestido negro arma la composición y el fondo brumoso y sugerente se le opone, surgiendo allí un contrapunto visual que termina por completarse con la columna, que equilibra y sostiene el peso del gesto y de la forma. El juego dinámico y espacial de las perspectivas crea un íntimo rincón que contiene ese secreto femenino que se retrata. Se traducen visualmente las distintas calidades de los materiales, es decir, vemos mármol, vemos bruma. A pesar de utilizar una paleta restringida y austera, dicha tonalidad monocroma se ilumina con toques de blanco y una fuente de luz indefinida que enfatiza el misterio de esta mujer en este detenido instante. Una pintura poética y nostálgica.

Dos Bailarinas, Degas, francés, Impresionista

Vitales en esta obra, son el acabado y concienzudo trabajo de la composición mediante el dibujo y el como se configura la articulación de las bailarinas y sus trajes. La danza -así bien lo acredita la extensa serie que con este motivo realizó Degas- armoniza con su búsqueda: la detención del movimiento, su gestualidad y plasticidad. Una Impresión conectada a una vivencia y a una porción de tiempo indescifrable. En estas dos bailarinas se plasma la maleabilidad de los cuerpos femeninos, las tonalidades de la piel, el contraste entre la tez negra y la tez blanca, la disparidad del color en sus vestuarios.

Las figuras están recortadas sobre un fondo mas bien ornamental y abstracto. Los tonos cromáticos que allí se logran así como las tonalidades de las indumentarias de las bailarinas logran un sello no convencional en relación a los cánones del color de aquellos tiempos.

Cercano al arte fotográfico, técnica naciente en su época, aborda a sus modelos desde un encuadre fotográfico presentando a las figuras desde una perspectiva aérea y con un punto de visión que amplia las posibilidades estéticas y las lecturas de la obra. La luz y el color, la transformación de la luz en color, los reflejos y metamorfosis que las formas experimentan bajo sus variadas incidencias. Más urbano que sus colegas del Impresionismo, se alejó del paisaje y se adentró en escenas intimistas, en los mundos personales y anónimos.

Muchacha, Modigliani, italiano

La economía de medios, conseguir el máximo con el mínimo, dicho de otro modo: la ausencia de proliferación y ostentación en el uso de recursos y materiales, es una enseñanza de culturas muy antiguas y no occidentales como la japonesa, la africana y la oceánica, que en los albores de la plástica contemporánea se transforma en un rasgo distintivo de muchos de sus exponentes. Junto con ello, la senda que inexorablemente comienza a abrirse hacia la abstracción, conduce a la pintura figurativa hacia espacios que van sintetizando, depurando, vaciando, estilizando, esquematizando... en pro de lo esencial por sobre los atributos que, en si, son desechables, transitorios y caducos. Esto puede apreciarse muy bien en la obra de Modigliani. Pintura gráfica, en ella están contenidos los caracteres del afiche, en alguna medida antesala del comics; el rostro se construye con la precisión del dibujo y del milenario sentido de la máscara que, como tal, oculta y revela, calla y pronuncia; una pintura que se arma a partir de un trazado sin recovecos, limpio y decidido, figura que se cierra creando el amplio cosmos del desnudo femenino recibiendo la luz, el color y sus contrastes. La tonalidad que el pintor consigue es original: el toque de blanco en agudo choque con el fondo oscuro, el rojo y el azul, soportes composicionales y visuales de la retratada, colores primarios que ejecutan una tajante oposición, discordantes en una justa medida y que, a su vez, aparecen tamizados por cierta opacidad que elimina la brillantez resaltando la presencia de la piel, del diminuto gesto de rubor en la mejilla y del énfasis de la luz, por cierto no casual, en su vientre.

Esta mujer se nos presenta complacida en y con su cuerpo, plena y relajada no extraña ropaje alguno ni teme ni desea, no entrega ni se niega a recibir. Sin una intencionalidad erótica prediseñada o inducida, propietaria de la sensualidad inherente a sus formas, dueña absoluta de ese espacio pictórico, vista desde arriba, desde otro que la observa, cercano y seguramente deslumbrado en la paz palpitante que ella ofrece.